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CRÍTICAS Hansel y Gretel: cazadores de brujas

Ficha técnica
Año: 2013
Duración: 88 minutos
Nacionalidad: EEUU-Alemania
Dirección: Tommy Wirkola
Producción: Will Ferrell, Chris Henchy, Beau Flynn
Guión: Dante Harper, Tommy Wirkola
Interpretes: Jeremy Renner, Gemma Arterton, Peter Stormare, Famke Janssen, Zoe Bell, Derek Mears, Ingrid Bolsø Berdal (AKA Ingrid Bolso Berdal)

Sinopsis
Dos niños son abandonados en mitad del bosque por su padre. Asustados buscarán un lugar donde cobijarse,  hasta que encuentran una casita de chocolate y golosinas donde mora una horrible bruja que les secuestra con muy oscuras intenciones. Lograrán acabar con su captora y escapar. Quince años después  estas “dos criaturas” se han convertido en dos afamados y sanguinarios cazadores de brujas que llegan a la ciudad de Augsburgo para resolver la desaparición de varios niños a manos de malvadas brujas.


Opinión personal
Cuando una película no te gusta absolutamente nada es muy fácil caer en la tentación de despotricar abiertamente contra ella y sus creadores. También puedes ser irónico , pero para ello hay que hacer un ejercicio de inteligencia que no sé si esta cinta se merece. Porque Hansel y Gretel: Cazadores de brujas parece hecha para personas que, sea porque en ese momento quieran desconectar su cerebro o simplemente no den más de sí, tengan una actividad cerebral bajo mínimos. No haré sangre de esta película, de hecho las reservas disponibles en el planeta ya se han utilizado para realizar sus sufridas escenas de acción, porque quizá el guión no tenía faltas de ortografía, el que operaba la cámara sabía hacerlo, los encargados de hacer el vestuario cosen bastante bien, los electricistas y carpinteros conocen su oficio, etc. Quiero decir que el trabajo de producción no es malo, de hecho el presupuesto es de aproximadamente cincuenta millones de dólares, el 3D está muy bien conseguido (más de una vez creí que me golpeaba algo). Pero es que la historia no tiene ni pies ni cabeza, al igual que alguna bruja que se cruza con los “hermanitos”.


Los actores, sean protagonistas, secundarios o cualquiera que pasaba por allí están horribles y da la sensación de que piensan: “para que me voy a esforzar, cojo el dinero y corro”. El diseño del maquillaje de las brujas es deplorable, la acción es tópica a más no poder, las armas que utilizan los protagonistas parecen echas de plástico y compradas en un bazar de todo a un euro, etc.

Pero lo peor que tiene con diferencia el film es la exaltación de la violencia gratuita, la banalidad con la que trata la quema de brujas en los títulos de crédito (lo sé, es una película sin pretensiones, pero cuando los veía se me revolvían las entrañas recordando las decenas de miles de mujeres que se ejecutaron en Europa durante la Edad Media por estúpidas supersticiones), los patosos anacronismos que salpican la película una y otra vez ¡si hasta Hansel se inyecta insulina!


Ah, se me olvidaba apuntar que MTV está metida en el proyecto, lo que explica la excelencia del producto (esto sí es ironía).

Nota: 3/10

Lo mejor: El 3D,  el troll Edward y, sobre todo, que dura 88 minutos.

Lo peor: La violencia gratuita, los anacronismos, los supuestos periódicos de la época, el maquillaje de las brujas, el guión...

-Juan Martos-

CRÍTICAS El atlas de las nubes


Ficha técnica
Título original: Cloud Atlas (El atlas de las nubes)
Dirección: Tom Tykwer, Andy Wachowski y Lana Wachowski
Guión: Tom Tykwer, Andy Wachowski y Lana Wachowski; basado en la novela de David Mitchell
Producción: Stefan Arndt y Grant Hill
Música: Tom Tykwer, Johnny Klimek y Reinhold Heil
Fotografía: John Toll y Frank Griebe
Montaje: Alexander Berner
Dirección artística: Uli Hanisch y Hugh Bateup
Vestuario: Kym Barrett y Pierre-Yves Gayraud
País: Estados Unidos, Alemania, Hong Kong y Singapur
Duración: 172 min.
Año: 2012
Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España
Estreno en España: 22 Febrero 2013

Intérpretes:
Tom Hanks (Dr. Henry Goose / Manager del hotel / Issac Sachs / Dermot Hoggins / actor / Zachry)
Halle Berry (mujer nativa / Jocasta Ayrs / Luisa Rey / invitada a la fiesta hindú / Ovid / Meronym)
Jim Broadbent (Capitán Molyneux / Vyvyan Ayrs / Timothy Cavendish / músico coreano)
Hugo Weavingg (Haskell Moore / Tadeusz Kesselring / Bill Smoke / enfermera Noakes / Boardman Mephi / viejo Georgie)
Jim Sturgess (Adam Ewing / Huésped del hotel / padre de Megan / Highlander / Hae-Joo Chang / cuñado de Adam/Zachry)
Doona Bae (Tilda / madre de Megan / mujer mexicana / Sonmi-451 / Sonmi-351 / prostituta)
Ben Whishaw (grumete / Robert Frobisher / dependiente / Georgette / miembro de la tribu)
James D’Arcy  (joven Rufus Sixsmith / viejo Rufus Sixsmith / enfermero James / archivista)
Susan Sarandon (madame Horrox / Ursula Mayor / Yusouf Suleiman / abadesa)
Hugh Grant (reverendo Giles Horrox / pesado del hotel / Lloyd Hooks / Denholme Cavendih / Seer Rhee / jefe Kona)


Sinopsis
Basada en la novela homónima escrita por David Mitchell en 2004, la película se compone de seis historias interrelacionadas que acontecen en distintos momentos del pasado y el futuro. Asistiremos a una narración bastante compleja y contemplaremos cómo las acciones de cada individuo, sean bondadosas o malvadas, tienen consecuencias en otras vidas futuras; que cada persona, por pequeña e insignificante que pueda parecer,  puede provocar una pequeña revolución que tambalee al todopoderoso opresor.


Las historias y sus protagonistas principales  son: 
The Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing), ambientada en el sur del Océano Pacífico en 1849, con el abogado Adam Ewing,  el Dr. Henry Goose y el esclavo Moriori.
Letters from Zedelghem (Cartas desde Zedelghem), durante 1936 en Cambridge y Edimburgo, con el músico bisexual Robert Frobisher, el compositor Vyvyan Ayrs y el amante de Robert Rufus Sixsmith.


Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery (Semivida: El primer misterio de Luisa Rey), acaecida en San Francisco en 1973, con la periodista Luisa Rey, el magnate del petróleo Rufus Sixsmith, el asesino a sueldo Bill Smoke y el jefe de seguridad  Joe Napier.
The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish (El horrible calvario de Timothy Cavendish), que sucede en Inglaterra en 2012, con el editor Timothy Cavendish, el gánster- escritor Dermot Hogginns, el hermano del escritor Denholme y la enfermera tirana Noakes.
An Orison of Sonmi-451 (Una oración de Sonmi-451), que sucederá en Neo (Seúl) en 2144, con la clon Sonmi-451 y el miembro de la resistencia Hae-Joo Chang
Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After, que ocurrirá en un futuro lejano en las islas hawaianas en 2311, con el miembro de una tribu llamado Zachry, el imaginario diablo “Old Georgie”, el líder de la tribu caníbal rival Kona y Meronym, un miembro de los últimos humanos tecnológicamente avanzados, los “Prescients”.

Opinión personal
Nos encontramos ante una película incapaz de alcanzar la unanimidad. Algunos espectadores saldrán maravillados ante lo que han visto, por su belleza visual en algunos momentos, por la interrelación bien lograda de historias aparentemente independientes, por alguna interpretación memorable, por el asombroso trabajo de maquillaje y dirección artística… Otros en cambio saldrán “echando pestes” de El atlas de las nubes y la considerarán pretenciosa, aburrida, con ridículas interpretaciones, nada original, ¡otra parrafada de los Wachowski!, “la peor película del año”, según la prestigiosa revista Time.


Lo cierto es que creo que no dejará indiferente a nadie, lo cual no es bueno ni malo sino todo lo contrario. ¿Es que no te mojas?, se preguntará mi sufrido lector… Pues sí, El atlas de las nubes no se puede considerar  una obra maestra, ni la mejor película que se haya producido durante 2012, pero considero que es una obra notable por varias razones: las interpretaciones por lo general son bastante buenas con un Tom Hanks formidable, y unos destacables Ben WishawJim Broadbent; visualmente tiene momentos brillantes, con un futuro preapocalíptico que nos retrotrae a los inicios más primitivos de la civilización humana, la sordidez e inmoralidad del futuro representado en Neo, donde todo aparentemente es perfecto y colorido pero que en realidad es una mera ilusión creada a golpe de mando a distancia.


También por el trasfondo que plantea la película y para mí lo hace bastante bien, porque la cobardía, la mezquindad, la avaricia han sido, son y serán aliados del mayor enemigo del ser humano: el poder totalitario que aplasta al individuo sin importarle las consecuencias (no es casual que aparezcan en algún momento imágenes de Aleksandr Solzhenitsyn, autor de "Archipielago Gulag").

Y frente a este siempre han aparecido personas, en apariencia insignificantes, que dando un paso adelante pueden provocar grandes cambios que ellos ni imaginan. Mi opinión sincera es que vayáis al cine con la mente despejada, no llevéis la carga de los muchos detractores que ha alumbrado esta película. Descubridla por vosotros mismos.

Nota: 8,5/10

Lo mejor: que cuando acaba quieres volver a verla otra vez y que a medida que la rememoras sigues descubriendo cosas nuevas.

Lo peor: quizá el metraje es un poco largo, aunque la complejidad de la trama justifica la duración.

-Juan Martos-

CRÍTICAS El vuelo (Flight)

Ficha técnica
Director: Robert Zemeckis
Guión: John Gatins
Música: Alan Silvestre
Reparto: Denzel Washington, Kelly Reilly, John Goodman, Don Cheadle, Bruce Greenwood, James Badge Dale, Melissa Leo, Nadine Velazquez, Brian Geraghty, Dane Davenport, Tamara Tunie, Garcelle Beauvais, Alex Frost, Kwesi Boakye, E. Roger Mitchell
Estreno: 25 enero 2013
Duración: 138 min. 

Nominaciones
Oscars: 2 nominaciones como mejor actor y guión original
Globos de Oro: nominado a mejor actor drama
Critics Choice Awards: nominada a mejor actor y guión original
Satellite Awards: Mejores efectos visuales

Sipnosis
Whip Whitaker (Denzel Washington) es un piloto comercial con serios problemas de adicción al alcohol y a las drogas, pero su vida sufrirá un giro inesperado cuando logre realizar un aterrizaje de emergencia imposible, gracias al cual salvan la vida casi toda el pasaje y la tripulación. En un principio será  agasajado como un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, comienzan a sobrevolar sospechas sobre el papel que desempeñaron las adicciones del capitán sobre el accidente. Tendrá el apoyo del sindicato de pilotos, que contratará a un abogado sin escrúpulos, Hugh Lang (Don Cheadle), para salvar el pellejo de Whitaker. Pero la imposibilidad de superar su alcoholismo pondrá en peligro todos los esfuerzos para defender su inocencia.


En el transcurso de la historia se cruzará en la vida de Whitaker Nicole (Kelly Reily), una drogadicta que acaba de sobrevivir a una sobredosis y que lucha por abandonar las drogas. Este personaje intentará que el piloto abandone las drogas y el alcohol y recupere su vida. También aparecerá para “arreglar “  algunas situaciones límite el peculiar camello de Whip, Harling Mays, interpretado por el siempre memorable John Goodman.


La ficción supera a la realidad
La película se inspira muy libremente en el accidente que sufrió el  Vuelo 261 de Alaska Airlines el 31 de enero del año 2000 en el Océano Pacífico, 4,3 Km al norte de la isla Anacapa, California. Los pilotos, tres tripulantes de cabina y 83 pasajeros a bordo fallecieron cuando el avión cayó al mar. La causa principal fue la pérdida de control de la nave por  el desgaste excesivo de una tuerca ACME del estabilizador horizontal. Uno de los hechos que llamaron mucho la atención fue que los pilotos intentaron que el avión volara invertido para detener su caída pero, a diferencia de la ficción que relata esta cinta, el resultado fue catastrófico.

Realmente el accidente real es una mera excusa para sumergirnos en otro tipo de catástrofes más humanas y no menos destructivas: las adicciones. Zemeckis nos presenta desde el principio a un personaje, Whip Whitaker, a merced de sus adicciones al alcohol y a las drogas; hasta el punto de pilotar totalmente “colocado” en el momento del accidente. Resultará contradictorio observar el absoluto control de la situación del comandante en el momento crucial, a pesar de estar totalmente bajo el efecto de las drogas y el alcohol. Asistiremos a su encumbramiento como el héroe que fue capaz de una genialidad que salvó la vida de casi todo el pasaje para luego verle caer, esta vez sin avión, víctima de la sospecha.


La adicción
La verdadera historia que narra El vuelo es, como dice el guionista John Gatins, “la personalidad de un tipo que está lidiando con sus propios demonios”. Un personaje que no tiene ningún tipo de control sobre su vida pero que cuando se enfunda el traje de piloto aparentemente es una persona de confianza. Estás contradicciones están muy bien plasmadas en la película merced a un guión muy bien trabajado y realista (según Gatins, "parte de mi vida personal se hizo con un hueco en el guión"), aunque para muchos el final es demasiado moralizante, y de una realización por parte de Zemeckis que en algunos momentos vuela a gran altura, como la secuencia del hotel en las vísperas del juicio. Observaremos cómo cualquier objeto o lugar relacionado con el consumo de drogas es capaz de despertar el ansia incontenible por consumirlas, de cómo el estrés asociado a la investigación del accidente desencadena una búsqueda de esas sustancias y su consumo de forma desaforada.


La interpretación
Por encima de todas sobresale el formidable trabajo de Denzel Washington, que otorga a su personaje una profundidad y  una variedad de matices imprescindibles para representar las continuas contradicciones de un adicto. Kelly Reilly está correcta pero no sobresale; John Goodman, como no podía ser de otra manera, llena la pantalla con su arrolladora personalidad en los contados momentos en los que sale y Don Cheadle, está magistral representando algunos "trapicheos" que demuestran lo difícil que es creer que justicia y ley vayan de la mano.


Nota: 7,5/10

Lo mejor: la escena del accidente, el primer encuentro de Whitaker y Nicole en el hospital y por encima de todas la escena del hotel, la noche anterior al juicio.

Lo peor: en algunos momentos resulta un tanto irregular. Para muchos el final puede ser demasiado moralizante porque prima la vertiente más comercial para dejar un poso positivo. En su descargo diría que es una película que va dirigida especialmente a los adictos, que trata de transmitirles la idea positiva de que se puede vencer el infierno en el que viven. Para algunos de los que hayan visto la película este  desenlace no les va a gustar porque preferirían un final con un Whitaker hundido en la mierda, pero creo que tan real es la gente que se destruye hasta la muerte como los adictos que sanan y reconducen su vida.

-Juan Martos-

CRÍTICAS El alucinante mundo de Norman: cuando los vivos dan más miedo que los muertos


El alucinante mundo de Norman (Paranorman), rodada mediante la técnica de stop-motion, nos desvela la historia de un adolescente ‘rarito’ del típico pueblo americano. Total, solamente sostiene que puede hablar con los muertos.

Le veremos fuera de lugar en su propia casa, donde solamente recibirá el apoyo del espectro de su abuela; en el colegio, donde será objeto de las bromas pesadas del chulo del instituto.

El único que parece estar encantado con él es su amigo Neil, otro personaje excéntrico donde los haya.


Todo parece transcurrir por los cauces normales hasta que su tío, medio vagabundo, le desvela el secreto de una terrible maldición que una bruja echó al pueblo hace cientos de siglos. Sólo la realización de un determinado ritual detendrá la destrucción de su ciudad. Norman tendrá que realizar dicho rito acompañado de un singular grupo de compañeros tras la inesperada muerte de su tío, pero todo se precipitará en un torrente de aventuras espectacular cuando no puedan evitar que se desencadene la maldición. En este momento descubrirá junto con sus amigos que nada es lo que parece.


Estamos ante una de las mejores películas que se han realizado en 2012, y ha sido un año de grandísimas producciones. Habrá espectadores que piensen que exagero y no estén de acuerdo, pero la satisfacción que me produjo contemplar está maravilla visual sólo la he sentido cuando he visionado auténticas obras maestras.

Pienso sinceramente que es la película de stop-motion mejor realizada hasta la fecha, y este año se ha estrenado la maravillosa Frankenweenie de Tim Burton; con una fotografía de Tristan Oliver memorable y escenas inolvidables como la de Norman caminando por la calle saludando a los fantasmas, o llegando a la casa de su tío en la bicicleta, o la de la máquina expendedora en el pueblo...


También es muy reseñable el excepcional diseño de los personajes, tanto a nivel visual como de su trasfondo personal, gracias al buen hacer del equipo artístico como del singular guión firmado por Chris Butler.


No quiero olvidar mencionar la banda sonora de Jon Brion con la inolvidable "Norman's Walk", ni los efectos especiales y visuales que complementan perfectamente el desarrollo de la historia sin robarle protagonismo. En definitiva, nunca estaré completamente agradecido a Chris Butler y Sam Fell, los directores de la cinta, por haber creado este maravilloso relato visual.

Lo mejor: la escena en la que Norman camina por la calle saludando a los fantasmas del pueblo, con el tema "Norman's Walk" de fondo.

Lo peor: lo siento, pero con esta película no procede.

-Juan Martos-

CRÍTICAS Inmaduros

Inmaduros es una película fresca y simpática que busca (y encuentra) la complicidad con el espectador. Trata de un grupo de amigos que ya no quedan pero cuyo futuro, sin embargo,  vuelve unirse. Después de más de veinte años sin verse y con su vida aparentemente hecha, les llega una carta advirtiendo que su examen de selectividad ha sido anulado y deben repetirlo. Con esa excusa argumental, no queda otro remedio: la promoción del 72 tiene que realizar de nuevo los exámenes: latín, filosofía, matemáticas...


Un argumento original y sencillo se convierte en un repaso enternecedor a la vida de cada uno de los personajes  y su manera de vivir y afrontar lo problemas del día a día.

Destaca  especialmente uno de los protagonistas que con cuarenta años todavía vive con sus padres y que pese a que parezca que no puede aportar demasiado al grupo por ser el que menos ha cambiado en realidad es el resorte del grupo pues, en parte, gracias a él está unido, sin embargo cada vez se van incorporando personajes a la trama pasando a ser todos imprescindibles, una madre soltera que va siempre corriendo de allá para acá, un locutor de radio que finge estar casado para tener más libertad con su amante, una chef adicta al sexo y en terapia para superarlo, un psiquiatra que es incapaz de asumir su futura paternidad.


El elenco se compagina de maravilla y están bien dirigido por el también guionista Paolo Genovese, puesto que cada uno de los intérpretes transmite sensaciones de juventud y cada uno a su manera aporta cosas que resultan familiares al espectador.

Destacan las relaciones entre algunos de los personajes: por ejemplo de la madre con la hija, los puntos de vista diferentes y la manera de ver las cosas, hay varios alter egos que congenian bastante bien y consiguen completase entre sí. Son personajes entrañables que enamoran a largo de la película con dosis de humor hoy en día tan necesario.


Hay momentos realmente encantadores ya que cada uno aporta lo mejor de sí y pasan a ser un equipo no sólo para estudiar los exámenes ya que gracias a que se reencuentran e interactúan entre sí, mejoran  y poco a poco van superando y afrontando sus problemas y preocupaciones.

Nota: 10/10


Lo mejor: ver a los amigos unidos como si no hubiera pasado el tiempo y el sentimiento tan positivo que trasmite.

Lo peor: es tan bonita y graciosa que puede ser tachada de comedia amable pero realmente merece la pena.

La mejor escena: cuando estudian juntos, cuando la madre reinventa la sopa de sobre y triunfa en el trabajo, cuando roban los donuts y salen corriendo como si todavía fueran adolescentes...

-Alicia Hdez-

CRÍTICAS Prometheus

Por cortesía del portal especializado en el séptimo arte, SensaCine, Quiero Cine estuvo presente en el preestreno en España de la última obra de Ridley Scott en los cines Kinépolis. Prometheus tiene un potentísimo arranque en el que se prima la grandiosidad de las localizaciones y una estética al más puro estilo de la ciencia-ficción clásica, que hace que el espectador abra boca pensando en el mejor Ridley Scott posible al servicio de una de las sagas de terror más imprescindibles de la historia del cine: Alien. Esa es desde luego la expectativa que genera el tráiler de la película, calcado al de Alien: el octavo pasajero en cuanto a estructura, montaje y música. Quizás por eso es tan bueno y genera tantas esperanzas en los seguidores de Alien y del propio director.



Sin embargo, a medida que se desarrolla la película, comprobamos con estupefacción cómo se va desinflando poco a poco hasta derivar en un guión con imperdonables fallos que el espectador apenas puede "tragarse". No se trata, como han anunciado algunos, de que la trama sea compleja o excesivamente enrevesada, sino que es una cuestión de coherencia interna, de una falta total de cohesión  entre los personajes y de una serie de fallos que te sacan totalmente de la historia. Si estás pensando que al personaje principal se le mueve el pelo dentro de la escafandra, es que definitivamente la película se ha ido de madre.


Prometheus da comienzo cuando un titán (un ser gigantesco) se autodestruye dando lugar a nuevas formas de vida en un lugar remoto. Por otra parte, dos investigadores descubren un yacimiento arqueológico en el que se reproduce con exactitud un mapa astral que está presente en las principales civilizaciones antiguas. Contando con el presupuesto de un excéntrico millonario obsesionado con luchar contra la muerte, se embarcarán en la nave que les llevará a encontrarse con los denominados "ingenieros", a quienes se les atribuye la creación la vida en la Tierra y que no son otros que los titanes que aparecen en las pinturas rupestres de la antigüedad.


En cuanto a la trama, el principal problema es que se intentan contar demasiadas cosas, lo que lleva a una carencia en el desarrollo de los personajes que no los hace creíbles puesto que ni se entienden sus motivaciones personales para actuar como lo hacen ni terminan de cuajar las relaciones de amor/compañerismo que se supone que hay entre ellos. Es una verdadera lástima que un esfuerzo de producción y puesta en escena semejante no esté al servicio de una trama que esté a la altura. Tanto el diseño de las naves espaciales, como la monumentalidad de las estructuras encontradas o el diseño de los titanes y sus trajes espaciales tiene el eco de Giger sin alcanzar su genialidad, pero no cuajan en conexión con la trama y ciertos efectos especiales son, sin ambages, cutres. ¿Cómo es posible que tal despliegue para mostrar un universo alienígena se desplome porque el maquillaje para envejecer a un irreconocible Guy Pierce sea infumable? ¿Cómo perdonar que la dirección de actores deje tan desaprovechados a talentazos como Charlize Theron y Michael Fassbender?


Nota: 2,5/10

Lo peor: que los aliens son lo de menos. Solo al final descubrimos su origen: es un buen golpe de efecto, pero un tanto tardío.

Lo mejor: sin lugar a dudas, las localizaciones y el trabajo de producción y dirección artística. Coinciden elegancia y sobriedad, aunque, por desgracia, la nave no consigue en ningún momento provocar la angustia, la claustrofobia ni la sensación de temor o inquietud en el espectador que provocaba la Nostromo de Alien: el octavo pasajero con un presupuesto inmensamente menor.

Las comparaciones son odiosas: aunque con un elenco estupendo, Noomy Rapace languidece frente a la potencia de la Ripley encarnada por Sigourney Weaver y Fassbender hace lo que puede, que no es poco, como androide, aunque aún nos estamos preguntando a qué obecede cuando decide sabotear al equipo. El regusto de Hal se deja ver en la luz roja de los cachorros que conducen a David al panel de control de la nave y en la personalidad independiente y destructiva del androide.


Un punto a su favor: se supone que Ridley Scott pretende revitalizar la saga Alien iniciando con Prometheus una nueva trilogía. Así se desprende del final abierto de la película. Esperemos que siendo así y contando con nuevas tramas argumentales, sea capaz de enderezar este trabajo, que bajo cualquier punto de vista ha sido un verdadero fiasco, sin lugar a dudas, el mayor patinazo de la carrera cinematográfica del director.

SensaCine estrena críticas

En SensaCine quieren ofrecernos un nuevo servicio para mantenernos mejor informados: las críticas especializadas. Para ello cuentan con los mejores críticos del panorama nacional que nos ofrecen su conocimiento y experiencia en la materia, para hacerte llegar la visión más objetiva e imparcial de cada película que se estrene en nuestras pantallas.

Contarán con críticos de la talla de:
  • Quim Casas: El periódico, Dirigido por, Rockdelux
  • Carlos Losilla: Cahiers du Cinema – Spain, Avui, Cultura/s
  •  Eulàlia Iglesias: Ara, Rockdelux, Público
  • Manuel Yáñez: Film Comment, Cultura/s, Fotogramas
  • Carlos Reviriego: Cahiers du Cinema-Spain, El Cultural
  • Gonzalo de Pedro Ayuso: Diario Levante, Público, El Cultural
  • Beatriz Martínez: Cahiers du Cinema-Spain, Cine Asia
  • Alejandro G. Calvo: Managing editor de SensaCine.com