ESE OTRO CINE Recordando Los bárbaros

El cine, en muchos aspectos, puede ser comparado con la música, (una herramienta que de hecho utiliza el propio cine) sobre todo en el sentido de elección que tiene uno y otro de cara al espectador. Con la música, por ejemplo, nosotros podemos elegir qué oír y tener un juicio formado de lo que escuchamos; podemos dedicarnos a investigar qué existe o dejarnos caer en la comodidad de los cuarenta principales, donde eligen por nosotros.

Con el cine ocurre lo mismo; si vemos sólo lo que nos dicen, nos estamos perdiendo grandes joyas: y otras, aunque no lo sean tanto, nos sirven para experimentar sensaciones distintas… Hay veces que no llegamos a conocer otras cosas porque nadie nos las presenta y ésa es la idea de esta sección.

Cuando eres pequeño no eres tan exigente a la hora de ver una película, no tienes una amplia información, ni siquiera has comparado mucho y es donde empiezan tus primeras investigaciones… buscas sobre todo el entretenimiento, que es la finalidad principal de esta película: Los bárbaros; que a mis trece años supo muy bien cómo hacerlo y hoy, lejos de aburrirme, aún mantiene cierto encanto para mí.

Los bárbaros es una película italiana de 1987 dirigida por Ruggero Deodato y protagonizada por los gemelos Peter Paul y David Paul (de cuyas cualidades interpretativas no vamos a hablar, ya que en el mismo año de su estreno, 1987, fueron nominados a los Premios Razzie en la categoría de peores nuevas estrellas. Aunque, como todo, esto va en opiniones y la mía es que igual para otros escenarios no sirven, pero aquí bordan el papel, adornando la parte de humor que tiene la película.

Esta coproducción de Estados Unidos e Italia, del género de aventuras, de Serie B, nos hablará de la tribu de los Raknakis, que por sus características circenses podrá viajar libremente y en teoría por todos los territorios. Al poseer un rubí mágico que custodia la reina Canary serán ahora el objetivo del tirano Kadar. Ahí va la sinopsis (ya veréis qué familiar os parece):

   

"Érase una vez, hace mucho tiempo, un mundo de salvaje esplendor, una época hecha para la aventura... época de tinieblas, de demonios, de brujería... Un tiempo en el que hombre, mujer y niño eran gobernados por la espada... pero una tribu, los Raknakis tenían un salvoconducto que les permitía viajar por aquel mundo. En el alba de los tiempos, su anciano rey cambió una montaña de oro por un simple rubí. La piedra era mágica y encerraba los secretos de la música, de la alegría, del regocijo y de la bondad humana. El anciano y sabio rey sabía que estas cosas eran mucho más preciosas que ningún otro tesoro terrenal. Y así, los Raknakis se convirtieron en la diversión de todo el mundo. Músicos y trovadores eran acogidos calurosamente por donde iban. Adoptaron a unos gemelos huérfanos Kutchek y Gore... y a una niña llamada Kara, y les hicieron la marca de los Raknakis como prueba de que ellos también pertenecían a la tribu. Y el rubí pasó de mano en mano, generación tras generación hasta llegar a manos de la joven y hermosa reina Canary, quien se convirtió en la sagrada guardiana de su magia".

The Barbarian Brothers en Los bárbaros

La película aunará varios temas interesantes desde mi punto de vista. Aunque la originalidad no será uno de ellos, ya que, después de la magistral Conan, el bárbaro de 1981 de John Milius protagonizada por Arnold Schwarzenegger, muchos directores con presupuestos más pequeños y escaseces no sólo presupuestarias, decidieron explotar el tirón de la misma.

Aparecerán así obras de contenidos similares que se caracterizarán por la copia de una parte del argumento como: la venganza de adultos de antiguos niños que provienen de pueblos masacrados, en los que es habitual el asesinato de los padres o como en este caso, de parte de la tribu. Dejando de un lado ese tema, y demás similitudes como la brujería; la esclavitud de los niños cargando rocas en una cantera para el excesivo desarrollo de su musculatura (en Conan arrastrará una rueda pero en las dos películas tendrá el mismo sentido), etc. Esta película contará con sus pequeñas aportaciones además.

La herencia de Conan es innegable

Es la segunda vez que hablamos en esta sección de Ruggero Deodato (Holocausto caníbal), un director de Serie B que fue capaz de marcar una época con los Cannibal Films… En este caso dirigiendo una barbarian movie, que será un cocktail donde meteremos unas dosis de humor, algo de bizarría, un chorrito de de gore, circo, magia, demonios, venganza, fantasía, un argumento que patina, unos dragones de cartón piedra,  malos actores... lo agitamos bien y el resultado será sorprendentemente una extraña y entrañable película de entretenimiento que nos hará pasar un rato agradable y divertido.

Como curiosidad se puede decir que los protagonistas, Peter y David Paul, nacidos en Estados Unidos en 1957, ya en su gimnasio eran conocidos por The Barbarian Brothers por su manera poco ortodoxa de entrenar con pesas de halterofilia. Empezaron a hacer sus pinitos en el cine y saldrán también en un episodio de El coche fantástico. Dos años después de Los bárbaros  intervendrán en dos filmes: The Barbarian Brothers y ya en los 90 en Think Big donde interpretarán a unos descerebrados camioneros… 

No podemos hablar de nominaciones a los Oscar ni de una película que nos dejará días meditando; tampoco podemos hablar de grandes efectos, de actores curtidos ni de posteriores remakes; no será una película de culto en el futuro (a no ser que se perdieran todas las demás) ni siquiera creo que sobreviviera al VHS, pero siempre es una pequeña delicia un viaje por el pasado. Una opción rara, que, de vez en cuando, nos servirá para apagar la radio,  escuchar esa música que proviene de otros lugares y dejar de escuchar por unos instantes esos machacantes cuarenta principales…

-Pedro Pablo Blanco-

ESE OTRO CINE Stoker

Después de degustar un inolvidable argumento como el de Oldboy, quién podría negarse a curiosear una nueva entrega del creador y encontrarse con lo más actual: Stoker (titulada en países hispanohablantes como Lazos perversos). Su director es Park Chan-wook, en su ya decimosegunda obra. Él intentará adentrarnos, una vez más, en mundos desconocidos y extraños comportamientos de la mente humana.

La película, dirigida en 2012, cuenta con un excelente reparto con Mia Wasikowska, Matthew Goode y Nicole Kidman. La fotografía de la mano de Chung-hoon Chung será de exquisito gusto durante toda la película y lo primero que nos llamará la atención haciendo resaltar su originalidad, ornamentando su manera de contar de un excelente proceder.

Cuando se aúnan una muy buena fotografía y se cuidan los pequeños detalles, la propia historia nos irá relatando pequeñas microhistorias en cada momento, haciendo así mucho más rico el contenido.

La primera imagen, con la carretera y las líneas continuas resaltadas, nos hace intuir de primera mano que estamos ante una buena película; la excentricidad en la narrativa nos lo promete y sus intérpretes nos lo aseguran. Lástima que un final sorprendente no exista, hubiera sido la clave para convertir a una buena película en una sobresaliente.

Evelyn, India y Charlie en Stoker

Al cumplir la mayoría de edad, India Stoker (Mia Wasikowska) pierde a su padre en un "accidente de tráfico", quedará así acompañada por su madre Evelyn (Nicole Kidman) y su tío Charlie (Matthew Goode), el cual aparecerá de improviso en sus vidas intentando llenar el vacío que ha dejado su hermano. En contrapunto tendremos a una liberada madre con ganas de vivir y de olvidar a un marido cuya atracción estará únicamente en el recuerdo de su juventud (por eso le atraerá Charlie); y una adolescente muy unida a su padre, forzada a experimentar cambios. Existe una conexión entre India y su tío, ella al principio no lo ve, pero él está convencido de ello. El apellido Stoker parece encerrar algo más que unos lazos de sangre...

Mia Wasikowska y Matthew Goode en la escena del piano de Stoker

Los temas principales de la película

• La violencia: Aparecerá durante toda la película, bajo una piel que es capaz de mostrar otras cosas. En el caso de India, la violencia terminará con su inocencia apareciendo como parte de su evolución, de su crecimiento, de lo inevitable, desprenderá la cutícula muerta a su paso, como ocurre con el crecimiento de las serpientes. India dirá en una ocasión "a veces tienes que hacer algo malo para tener que evitar hacer algo peor”. India tendrá una extraña fase de crecimiento, distinta a las niñas de su edad. Así podremos verla masturbándose en la ducha después de contemplar un asesinato. Esta violencia irá íntimamente relacionada con el instinto de cazador/depredador que posee.

Los zapatos son una metáfora de la maduración de India en Stoker

• El erotismo: Tanto de parte de Evelyn (la madre), como de India (la hija), presentarán a este triángulo amoroso con un toque de deseo. En el caso de la madre, que cansada de una vida vacía, al haberse visto distanciada por la relación de su hija y su marido y su reciente muerte; el impulso que le dará Charlie (recordando la juventud de su marido), hará que Nicole Kidman nos muestre su lado sensual y seductor. En el caso de India, su seducción se basa en la conexión que existe entre ella, lo que su tío y ella poseen y el paso de niña a mujer representado por todos los zapatos que él le había regalado.
• El mal: Presente en algunos miembros de la familia Stoker. La madre no quiere a su hija porque pasaba mucho tiempo cazando con su padre, en una ocasión le pregunta "¿quién eres?". Ella la siente como algo desconocido, que no es parte de ella. El mal estará relacionado con algo de la naturaleza, algo que se posee, con la necesidad de cazar por instinto y disfrutar con ello. 

Nota: 7,9/10

Lo mejor: la fotografía y el surrealismo metafórico a la hora, por ejemplo, de aparecer una araña trepando por las piernas de India.

Lo peor: la falta de sentido en el argumento a la hora de enlazar el presente con el pasado y renquear en el desenlace.

En definitiva, una película que no hay que dejar de conocer y saber paladear. Donde veremos nuevas venganzas de un Park Chan-wook que va evolucionando en su cine...

-Pedro P. Blanco-

ESE OTRO CINE: Hierro 3

Ver cine es una búsqueda constante, tanto de nuevas sensaciones como de una originalidad que parece se ha perdido en los últimos tiempos, en los que, a los que buscamos esto (y huimos de bombazos y efectos especiales con argumentos endebles), cada vez es más difícil que nos impacte una película.

Vamos digiriendo, intentando seleccionar de la mejor forma posible; pero entre la falta de ideas del cine americano (americanizando-adulterando buenos trabajos de otros y explotando remakes…) y rebuscando entre la, a veces, pobreza de un cine nacional, ampliamos las miras y ¡zas!, de repente aparece, y nada menos que de la mano de Kim Ki-duk, esta maravillosa película que reúne varios temas de la forma más insólita.

El título original de Hierro 3 es Bin-jip, que significa “Hogares vacios”, en inglés 3 Iron. Producción surcoreana del año 2004 clasificada en el género del romance o drama romántico. Hee Jae (Tae- Suk en el filme), es  un joven que se dedica a entrar en moradas ajenas para ocuparlas temporalmente. Su objetivo no es robar nada, lo único que hace es comer algo, dormir, hacer la colada, regar las plantas y arreglar algún objeto estropeado. Intenta de algún modo acercarse a sus ausentes dueños haciéndose fotos con las suyas detrás, investigando sobre sus vidas y sintiéndose ellos mientras dure la estancia.

De ese modo un día vivirá como un boxeador; otro como un fotógrafo, un empresario, etc. El por qué de estas ocupaciones no lo sabemos, podría ser para llenar la “casa vacía” de su alma, de su soledad, de su actividad, de su existencia... que también está temporalmente ocupada por él mismo. Podría ser una filosofía de vida, en la que, de esta manera, no tendría que trabajar ni hacer frente a los gastos que conlleva tener una casa en propiedad. Aunque siempre hay un roto para un descosido y seguramente su manera de olfatear foráneo le estaba llevando a una extraña pesquisa. Quien comienza un rastreo insólito (como es extraño el utilizar ese “hierro 3”) obtiene lo que busca, en este caso se encuentra con la horma de su zapato y el amor.

Como era de esperar, este tipo de vida que lleva Tae-suk, en cualquier momento se vería truncada y así finalmente ocurre. Hee Jae Seung-yeon lee (Sun-hwa en el filme) un día permanecerá oculta en una de las casas ocupadas por Tae-suk, observándole ella a él en silencio. Ese silencio que será el idioma que hablarán los protagonistas. Sun-hwa, que en tiempos fue una hermosa modelo, vive ahora en casa de un rico marido que la maltrata y encierra. La aparición de Tae-suk en su vida será un soplo de aire fresco al que no pone resistencia a la entrada en sus pulmones, ya que le aportará la vida de la que carecía hasta ese momento.

Según las propias palabras de Kim Ki-duk: "La idea se me ocurrió en octubre del año pasado. Estaba quitando un folleto que estaba pegado en la cerradura de la puerta de mi casa cuando de pronto se me ocurrió que todas las casas que tenían esa publicidad intacta durante varios días debían de estar vacías. La imagen de una casa vacía en la que no entra nadie me llevó a la historia de una persona muy solitaria, aislada de los demás, y decidí hacer una película acerca de un hombre que entra en ella y colma ese vacío con calidez".

Los temas que podemos ver en esta película son:

• Lo espiritual: El protagonista es una especie de fantasma que habita las casas; intenta perfeccionar tanto la técnica que finalmente consigue no ser detectado.
• Triángulo amoroso: Sun-hwa vive con un marido rico al que detesta por su comportamiento machista, celoso y obsesivo, la quiere pero la maltrata y encierra y se empeña en forzar su amor. Ella vivirá entre recuerdos de otros tiempos, en los que fue una modelo bella, famosa e independiente. Cualquier señal le hubiera servido para abandonar la vida que llevaba y ese hogar rico en lujos pero también en falsedad e infelicidad. La aparición de Tae-Suk en su vida será esa señal. “Hierro 3” es un palo de golf que jamás se utiliza, la simbología del número tres estará unido también a este inusual personaje.
• El amor silencioso: La mayor originalidad de la película reside en que los dos protagonistas no se llegan a hablar (verbalmente) en toda la película. Aunque a veces es un poco forzada la obstinación del director en que no se digan absolutamente nada, resulta de lo más llamativo ver como la historia nos la cuentan los demás. No les hace falta el diálogo, ellos no tienen esa necesidad, y, sin embargo, no puede existir un tipo de conexión más grande que el de los que se entienden sin hablarse.

Lo más disfrutable de la película:

• Las metáforas: Abundantes en toda la película, que sugieren, que nos cuentan sin apenas hablar, que nos hacen pensar mucho con muy poco. La pelota de golf atada, golpeada y finalmente liberada. El sentido de propiedad que rehusa el protagonista. Ese sentido de reparar los objetos estropeados; igual que hace con Sun-hwa, como otro objeto más que se encuentra en una casa y está roto. Él no querrá poseerla como su marido, ella se va con él libremente, finalmente la “repara” y la devuelve a su hogar. Para seguir "tomando prestado" lo que precise.
• La originalidad: Tanto el argumento, como la filosofía de vida, como las búsquedas, como los comportamientos, aportarán gran originalidad. La manera en la que el protagonista, con su extrañeza, encuentra a alguien que no sólo se adapta a él si no que es su complemento perfecto es difícil de conseguir. Las necesidades de vacío harán el resto. Un chico extraño y solitario y una mujer maltratada, que vive de antiguos recuerdos y es dependiente de un error. Estas dos personas se abrazan para tapar los vacíos en sus necesidades y buscarán la fórmula para, de la misma manera en que vivían, pasar de la tristeza a la alegría.

En definitiva, una película cien por cien recomendable si huyes, como yo, de archiconocidas y explotadas fórmulas y deseas visitar un buen contenido que, sin palabras, nos contará tantas cosas...

-Pedro Pablo Blanco-

ESE OTRO CINE: La bestia en calor

La bestia en calor es una película italiana, títulada originalmente como La bestia en calore, aunque también se la conoce como SS Hell Camp, SS Experiment Part II, The Beast in Heat, Horrifying of the SS Last Days... Dirigida por Luigi Batzella en 1977 y prohibida en Reino Unido por ser calificada como "nasty video".

La película transcurre en plena Segunda Guerra Mundial (en concreto en los últimos días del tercer Reich) donde los seguidores de Hitler se habían alejado de tal manera de lo humano, que en su propio endiosamiento mental solamente podrían dar vida a un aborto semejante como “la bestia”; fruto y reflejo de la expresión de sus monstruosas y estúpidas ideas.

Para poder “degustar” algo en la película (que tiene fama de ser una de las peores películas que jamás se ha hecho) tendríamos que ignorar ciertos detalles como:

1. Los decorados: quitando una jaula, un laboratorio, y un pueblo (debido a su bajo presupuesto), todas las escenas de guerra que aparecen son de otras películas. Esto no está hecho de manera que escape a los ojos del espectador, si no que al no coincidir los colores en ambos filmes (las escenas de guerra seguramente sacadas de una película de los cincuenta) se crea una chapuza de grandes magnitudes.
2. El argumento: la parte de los experimentos nazis y la utilización de esta “bestia” como modelo máximo de tortura es aceptable, lo que no lo es tanto son las forzadas inclusiones de erotismo en toda la película, propias de la época (1977), donde una “cachonda” a la par que cruel y sádica Macha Magall se va alejando cada vez más de su papel de médico para acercarse al de dominatrix.
3. Los actores: a cual peor y siempre dando la sensación de que no había dinero para cinta ni para repetir ni una sola toma. Los primeros planos son dignos de carcajadas y la aparición de “la bestia”, la estrella principal, todo un poema. Al ser una especie de amalgama entre un mono-humano-conejo en celo, es inagotable en el acto sexual y un cruel violador; aunque si analizamos las imágenes detenidamente no llega a consumar ni una sola vez por la mezcla entre su enorme impotencia y falta de tino (no voy a dar más detalles).

La falta de verosimilitud de la cinta es apreciable desde el minuto uno y los experimentos cuestionables. Por ejemplo, que una simple vacuna sea capaz de crear un “arma” que lo que hace es la anulación del ser humano con todas sus capacidades como la del habla, el caminar erguido y le dote de cierto retraso mental. La doctora protagonista Ellen Kratsch, parece habérsela inyectado también cuando practica felaciones como medios de tortura, quedándose extrañada cuando los prisioneros no hablan, ¡y qué esperaba! La trama es muy pobre, a excepción de un grupo de la resistencia que vuela un puente y alguna que otra escena de sexo, la cinta no da más de sí.

Lo destacable de la película es que la aparición de “la bestia” tiene cierta originalidad y habría que felicitar al director de casting por haber seleccionado a este “actor” Salvattore Baccaro, que supongo no fue fácil de conseguir por su aspecto, aunque en cuanto a la interpretación un mono de verdad podría haberlo hecho mejor…

Otro aspecto reseñable dentro del argumento es que en la época que se rodó (años setenta) los vellos púbicos eran abundantes y este sujeto se anticipaba a las modas que vendrían y los arrancaba de cuajo; no como Luis Escobar en La escopeta nacional para guardarlos de recuerdo en frasquitos sino para hacer pequeñas catas. Supongo que finalmente tendría problemas de bolas de pelo como los gatos...

El final de la película puede considerarse moralizante (ay, el karma), las violaciones de las que la doctora tanto habría disfrutado ahora las sufrirá en sus carnes ganando el bien sobre el mal que encerrará a esos dos monstruos lujuriosos en la misma jaula.

En definitiva, si estás leyendo esto y no conocías esta obra recomiendo que, aunque sólo sea por curiosidad, se vea una vez en la vida (pero sólo una).

-Pedro P. Blanco-

ESE OTRO CINE El pico

El pico (1983) es una película que se enmarca dentro del popularmente conocido en España como: “cine quinqui”, donde Eloy de la Iglesia (El pico, El pico 2, Colegas, Navajeros, La estanquera de Vallecas) y José Antonio de la Loma (Perros callejeros, Perras callejeras, los últimos golpes del torete, Yo, "el Vaquilla") son sus mayores representantes. Dentro de este género, caracterizado por retratar de manera tremendista y grotesca la marginalidad, la delincuencia y las drogas, era común que los actores que interpretaban estas películas interpretasen también sus propias vidas.

Normalmente eran jóvenes extraídos de las calles e introducidos en el cine con el objetivo de dar mayor verosimilitud a la que pudiera dar un actor profesional. Encontraremos así a José Luis Manzano, José Luis Fernández Equia (el Pirri), Antonio Flores, Sonia Martínez, Juan José Moreno Cuenca (el Vaquilla) o Ángel Fernández Franco (el Torete). A excepción de Antonio Flores (cantante) y Sonia Martínez (presentadora de televisión), los demás eran delincuentes y los finales de todos tuvieron como protagonista a la heroína (esta vez sin excepción).

El pico se desarrolla en Bilbao a principios de los años 80 y trata de una manera realista la inmersión de dos jóvenes en el mundo de la heroína. Tan realista fue que el propio director, Eloy de la Iglesia, y el protagonista, José Luis Manzano, se engancharon a esta droga tras el rodaje y se dice que incluso se pinchaban de verdad en algunas escenas (nada que ver con la falta de realismo de otras películas archiconocidas que tratan este género como Trainspotting).

Se narrará la historia de Paco (José Luis Manzano) hijo del comandante de la Guardia Civil Evaristo Torrecuadrada (José Manuel Cervino) que con su amigo Urko (Javier García) hijo de político Martín Aramendía (Luis Iriondo) comienzan a degustar los primeros y atrayentes placeres del “potro” esnifado para, en poco tiempo y presos de una adicción cada vez más fuerte, empezar a pincharse y dar un giro recio a sus vidas hasta llegar a verse involucrados en un asesinato. 

  

Excelente, real y cruda película que cuenta una parte de la realidad de una época sin tapujos y con excelentes interpretaciones.

Como historias de fondo que bordean la película, se dice que Betty (Lali Espinet), que venía de hacer varias películas de cine erótico, era “camella” y quien distribuía a todo el rodaje, vamos que ahí iba puesto hasta el cámara... Que José Luis Manzano, que había conocido la heroína en el rodaje de la película Colegas, se había querido meter tanto en el personaje de Paco que decidió empezar a pincharse a escondidas para conocer mejor las sensaciones. Eloy de la iglesia comenzó también a consumir heroína, ese fue el precio de conocer estos mundos oscuros e intentar encontrar esa falsa paz que buscan los protagonistas.

Como temas secundarios se hablará de política: la película empieza con un discurso de Felipe González; de la Guardia Civil, en forma de crítica a los métodos del cuerpo; de la prostitución, como regalo de un guardia civil a su hijo; de la homosexualidad e incluso de la amistad, todo ello unido a las drogas nos da una visión muy poco optimista sobre la  sociedad en la que se vivía.

En definitiva, la mejor película de Eloy de la Iglesia, (que después de El pico 2 y La estanquera de Vallecas entrará en un largo periodo de sequía como director a consecuencia del consumo habitual de heroína como le pasó a otros tantos), que nos dejó esta obra como legado para contribuir al buen cine español.

-Pedro Pablo Blanco-

ESE OTRO CINE The Human Centipede 2 (Full Secuence)

Dicen que las segundas partes nunca fueron buenas, menos Alien, Terminator, El padrino, Superman… A partir de ahora se podría añadir a esa escasa y personal lista The Human Centipede 2; donde un ya conocido Tom Six se eleva así mismo en la obra que comenzó con la primera entrega y que aún sigue viva.

La película es una coproducción británico-holandesa dirigida en 2011 por el ya mencionado Six. Al visionar las dos partes es totalmente apreciable el ambicioso  proyecto, tanto, que en su afán por crear una atmosfera repugnante (en mi modesta opinión merecedor de un sobresaliente por su aspiración y logro), algún problema le causó: el filme fue censurado en Reino Unido por la BBFC calificando el filme como “sexualmente violento y potencialmente obsceno” añadiendo que “se presenta como real en oposición a imaginativo”.

Posteriormente, después de 32 cortes pudo ver la luz y ser apta para el público mayor de 18 años. Six terminaría contemplando esto no como un impedimento, sino como una oportunidad de marketing ya que las películas de terror anteriormente prohibidas serían: La matanza de Texas, La naranja mecánica, Hostel, etc. Sería muy curioso poder ver esta película sin censuras, aunque puedo asegurar, y no creo equivocarme, que nadie las echará de menos…

Ésta será la segunda parte de una trilogía, la ansiada tercera parte es esperada para este año bajo el título The human centipede 3 (Final Secuence). Recordando su argumento antecesor, un doctor chiflado lleva a cabo un proyecto de unir a tres seres humanos compatibles entre sí a través de su sistema gástrico: lo consigue. En esta parte la realidad se introduce en la película, ya que el protagonista Martin (Laurence R. Harvey) ve esta primera entrega en su puesto de trabajo: la cabina de peaje de un aparcamiento. Martin vive con su madre (Vivien Bridson) y fue violado por su padre (cuya voz reproduce el mismo Six) cuando era crío.

El argumento será la historia de una obsesión, ya que Martin no para de reproducir The Human Centipede (First Secuence), en su casa, en el trabajo… Está claro que la película le encanta, aunque a veces lo demuestra de un extraño modo; como puede ser, masturbándose con un papel de lija… Tal será la obcecación de Martin que decide simular al protagonista de su película preferida y convertirse en el doctor Heiter; aunque Martin al no tener formación médica alguna decidirá hacerlo “a su manera”, con herramientas de bricolaje dominguero, y en vez de unir a tres personas unirá a doce (de ahí lo de Full Secuence). Esta ofuscación será llevada al límite cuando intenta introducir en su “ciempiés” a actores de la película original, aunque sólo lo consigue con Ashlynn Yennie.

Lo primero que destacará en la película en su intento de introducirnos en el mundo de demencia mental de Martin, será la utilización del blanco y negro en casi toda la cinta, utilizado como metáfora la ausencia de colorido de la vida del protagonista y del argumento general de la película. El acierto con el actor principal (Laurence R. Harvey) es indiscutible. Aunque no se expresa verbalmente en ningún momento (salvo gritos, gruñidos, gemidos y pedorretas) lo hará con la mirada y gestos, con su físico y su manera de moverse y actuar,  transmitiéndonos ser el ser más despreciable y asqueroso que hay sobre la tierra. Que el protagonista tenga asma, un ciempiés como mascota y un pasado con el que podemos “comprender” su comportamiento añadirán algún matiz más de repulsión si cabe.

El momento de mayor angustia de la película, lo que supera con creces a la primera parte y (creo), el reto del director, estará en la manera de unir los cuerpos; recordemos que en esta parte no habrá doctores ni cirugía y se emplearán cuchillos, grapadoras y cinta aislante, no es de extrañar que alguna parte del ciempiés sucumbiera (por suerte para él) antes de la unión.

Con la tercera parte Six nos avanza que hará parecer a esta parte una película de Disney ¿será otro truco de marketing o se superará de nuevo a sí mismo?

Éstas son algunas opiniones acerca de la película: "Los masoquistas levantarán el pulgar, siempre y cuando su pulgar no esté ya metido en su trasero", (Peter Travers: Rolling Stone); “Puede ser la película de serie B más enfermiza que jamás se haya hecho. Es por ello que te deja absorto por el horror de lo que estás viendo y el terror de lo que vendrá", (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly).

Mi opinión es que independientemente de si eres amante del género o no, es una muy buena película, con contundentes y definidos actores, que cuenta una horripilante historia capaz de buscar y conseguir el escándalo y el horror, que roza la incomodidad y la angustia en el asiento, pero es una simple ficción distinta de los que prefieren llorar o reír: sin duda hay que verla.

-Pedro Pablo Blanco-

ESE OTRO CINE El vengador tóxico

El vengador tóxico (The Toxic Avenger, Estados Unidos, 1984). Dirigida por Michael Herz y Lloyd Kaufman. Género: Serie B/Z, gore.

Nos encontramos en una población llamada Tromaville, situada en las afueras de Nueva York, utilizada para el depósito de residuos tóxicos y radioactivos, no sólo en vertidos sino también con las personas: corrupción política, asesinatos, delincuencia…

En esta ciudad hay un gimnasio donde trabaja Melvin, un joven con retraso mental que se dedica a pasar la fregona. Un buen día es objeto de una burla por parte de los socios más dementes del gimnasio y no pudiendo soportar la humillación salta por la ventana. Caerá en unos cubos de residuos tóxicos que le producen una transformación, tanto física (para peor y era difícil…) como mental (ésta para mejor), que le otorgará un “instinto básico” para detectar a malhechores y pasar de limpiar los baños de un gimnasio a “limpiar” la ciudad (después de cada contienda restregará una fregona por la cara de los enemigos).

El vengador tóxico contará (además de con infinidad de secuelas) con una serie de dibujos animados, un cómic, un videojuego, una colección de muñecos y un musical en Broadway, etc.

La película poseerá cuatro secuelas más y en estos tiempos de remakes se habla de que pronto llegará el suyo, presumiendo que destrozando el espíritu cutre y salvaje de la original… Cabría destacar la originalidad de esta película: las desviaciones sexuales y su peculiar violencia, su bizarrismo, unos personajes cuya sobreactuación les hace autodefinirse, un descarado humor montaraz y sin censura no apto para todo tipo de públicos, un bajísimo presupuesto y un altísimo encanto.

Lo más destacable será el atuendo de este monstruo benefactor (un tutú de bailarina), una novia ciega con cuerpo de modelo, unos macarras que van perdiendo miembros con cada encontronazo y un sinfín de situaciones absurdas que dejarán a la risa sin descanso.

En definitiva, una película envuelta en un absurdo humor que es grato recordar y para el que no haya tenido el placer de degustar esta pequeña delicia, animarle a que deje a este extraño superhéroe darse a conocer…

-Pedro Pablo Blanco-

ESE OTRO CINE: Holocausto caníbal

Como segundo título de esta sección-selección, he  encontrado sugestivo desempolvar esta película italiana rodada en 1979: Holocausto caníbal (Cannibal Holocaust). Dirigida por Ruggero Deodato y protagonizada por Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen, Luca Barbareschi y Robert Kerman. Este film fue rodado en plena selva amazónica (“infierno verde” para sus protagonistas), y por sus más que atroces y bárbaras imágenes fue prohibida en numerosos países…

Un antropólogo llamado Harold Monroe irá a buscar a una expedición de cinco miembros desaparecidos cuando fueron a investigar a tribus caníbales; éste encontrará las grabaciones de los jóvenes en la tribu entre sus cadáveres. Posteriormente, en Nueva York, procederán al visionado de las terribles imágenes con el objetivo de montarlas para un programa televisivo. Y quién les iba a decir a los jóvenes de la primera expedición que estos terribles caníbales iban a ser aún más salvajes que ellos… 

Existe una historia que contoneará la película: por una parte, las imágenes son tan crudas y verosímiles que el público de la época llegó a creer realmente en su autenticidad, creyendo que la cinta encontrada era real; por otra parte, se podría ver como un recurso cinematográfico para otorgar a la cinta del máximo realismo, utilizando algo tan antiguo como la técnica del manuscrito encontrado, ya usado desde tiempos de El Quijote y ahora trasladada al cine. Recurso o no, el director estuvo a punto de ir a la cárcel por la duda y polémica que generó. Generalmente, hoy día, sigue suscitando dudas para muchos por  su contenido algo snuff… y por lo menos en parte lo es (y eso es algo que detesto de la película). Existen salvajes torturas y matanzas de animales: ratas de campo, tortugas gigantes, monos, jabalíes…Y éstas sí son reales. La película comenzará diciendo: "For the sake of authenticity some sequences have been retained in the entirety” (lo que vendría a decir "Por su autenticidad, algunas secuencias han sido conservadas en la totalidad).

Lo más interesante de su argumento será, dejando a un lado las escenas pioneras del género gore, la reflexión final que nos deja: la metrópoli vs. la selva; lo racional vs. lo instintivo; lo “civilizado” vs. “lo salvaje”, dejando una línea muy fina y dudosa que los separa por nuestra condición de seres humanos que habitan uno y otro mundo…

En definitiva, una película no recomendable para sensibilidades extremas y sí para verla por lo menos una vez en la vida.

-Pedro Pablo Blanco-

ESE OTRO CINE: The Human Centipede

Qué mejor título para inaugurar esta sección de cines olvidados, discordantes y menos comerciales; que en algunos casos su propia temática roza a veces lo grotesco, escatológico o simplemente retrata la crudeza de ambientes marginales. En definitiva: cine “raro” que conviene recordar para animar a ver estas otras películas…

The human centipede (Holanda 2009), dirigida por Tom Six.

Inevitable es explorar el nombre del director, después de su visionado, con la carátula en la mano; al menos yo es lo que hice cuando aturdido intenté buscar apelativo a una incatalogable mente.

Según Six, esta extravagante temática, es la amalgama de la inspiración de los experimentos médicos nazis en la segunda guerra mundial, bromas con amigos acerca de castigos a violadores de niños y una indagación personal de los instintos más bajos de algunos “seres humanos”. La película transcurre en Alemania, con el escaso reparto de tres turistas (dos americanas, un japonés) y un médico encargado de unirlos en un experimento. También son escasos actores secundarios.

Los diálogos, también breves, y con la limitación comunicativa del japonés de la cabeza del ciempiés Akihiro Kitamura (Katsuro en el filme) y el alemán-inglés del doctor.  El actor principal Dieter Laser (Dr. Heiter) obtuvo el merecido premio al mejor actor en el Fantastic Fest por su papel de doctor endiosado.

La película comienza con la mezcla de dos ingenuas turistas perdidas incapaces de ver el peligro, sin cobertura en el móvil, en una gran casa-trampa que parece ser la salvación. Del otro lado, un Doctor Heiter que ni siquiera se toma la molestia de parecer normal hasta que les hace efecto el Rohypnol (droga de los violadores) que les echa en el agua.

Existirán dos momentos cruciales en la trama: el primero será la explicación de sus propósitos para crear “trillizos siameses unidos por el sistema gástrico”; el segundo, la reflexión de la única parte del ciempiés que se comunica acerca de si aún es un ser humano. Lo hará en una posición indigna, con su ano unido a la boca de una desconocida.

En definitiva, esta película contiene todos los ingredientes para escapar durante noventa minutos de la realidad y poder dar un paseo por un séptimo arte distinto…

-Pedro Pablo Blanco-