¿Quieres ir gratis al cine? Por cortesía del portal de ocio SensaCine y los cines Kinépolis, en Quiero Cine ofrecemos 10 entradas dobles para acudir al preestreno de Las ventajas de ser un marginado, una película que llegará el 8 de febrero a nuestras carteleras precedida de excelentes críticas.
¿Dónde?
En los cines Kinépolis de Madrid situados en la calle Edgar Neville s/n de la Ciudad de lmagen.
¿Cuándo?
El jueves 17 de enero a las 21:15.
¿Cómo concursar?
Sencillo, solo son tres pasos:
1.- Hazte seguidor del blog en el menú de la izquierda.
2.- Dinos cuál es tu canción favorita de los 90 y por qué.
3.- Recuerda poner en el comentario cuál es tu dirección de correo electrónico para que podamos confirmarte si has sido uno de los ganadores del concurso.
Si quieres, puedes concursar a través de Twitter o mandando directamente un correo a la dirección que encontrarás en la pestaña superior "Acerca de".
Los ganadores recibirán un email el día 14 de enero en el que se les confirmará su entrada gratuita a la sala. Recordad que son entradas dobles, así que podéis ir acompañados a disfrutar del mejor cine ¡antes de que se estrene!
El alucinante mundo de Norman (Paranorman), rodada mediante la técnica de stop-motion, nos desvela la historia de un adolescente ‘rarito’ del típico pueblo americano. Total, solamente sostiene que puede hablar con los muertos.
Le veremos fuera de lugar en su propia casa, donde solamente recibirá el apoyo del espectro de su abuela; en el colegio, donde será objeto de las bromas pesadas del chulo del instituto.
El único que parece estar encantado con él es su amigo Neil, otro personaje excéntrico donde los haya.
Todo parece transcurrir por los cauces normales hasta que su tío, medio vagabundo, le desvela el secreto de una terrible maldición que una bruja echó al pueblo hace cientos de siglos. Sólo la realización de un determinado ritual detendrá la destrucción de su ciudad. Norman tendrá que realizar dicho rito acompañado de un singular grupo de compañeros tras la inesperada muerte de su tío, pero todo se precipitará en un torrente de aventuras espectacular cuando no puedan evitar que se desencadene la maldición. En este momento descubrirá junto con sus amigos que nada es lo que parece.
Estamos ante una de las mejores películas que se han realizado en 2012, y ha sido un año de grandísimas producciones. Habrá espectadores que piensen que exagero y no estén de acuerdo, pero la satisfacción que me produjo contemplar está maravilla visual sólo la he sentido cuando he visionado auténticas obras maestras.
Pienso sinceramente que es la película de stop-motion mejor realizada hasta la fecha, y este año se ha estrenado la maravillosa Frankenweenie de Tim Burton; con una fotografía de Tristan Oliver memorable y escenas inolvidables como la de Norman caminando por la calle saludando a los fantasmas, o llegando a la casa de su tío en la bicicleta, o la de la máquina expendedora en el pueblo...
También es muy reseñable el excepcional diseño de los personajes, tanto a nivel visual como de su trasfondo personal, gracias al buen hacer del equipo artístico como del singular guión firmado por Chris Butler.
No quiero olvidar mencionar la banda sonora de Jon Brion con la inolvidable "Norman's Walk", ni los efectos especiales y visuales que complementan perfectamente el desarrollo de la historia sin robarle protagonismo. En definitiva, nunca estaré completamente agradecido a Chris Butler y Sam Fell, los directores de la cinta, por haber creado este maravilloso relato visual.
Lo mejor: la escena en la que Norman camina por la calle saludando a los fantasmas del pueblo, con el tema "Norman's Walk" de fondo.
Lo peor: lo siento, pero con esta película no procede.
Como segundo título de esta sección-selección, he encontrado sugestivo desempolvar esta película italiana rodada en 1979: Holocausto caníbal (Cannibal Holocaust). Dirigida por Ruggero Deodato y protagonizada por Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen, Luca Barbareschi y Robert Kerman. Este film fue rodado en plena selva amazónica (“infierno verde” para sus protagonistas), y por sus más que atroces y bárbaras imágenes fue prohibida en numerosos países…
Un antropólogo llamado Harold Monroe irá a buscar a una expedición de cinco miembros desaparecidos cuando fueron a investigar a tribus caníbales; éste encontrará las grabaciones de los jóvenes en la tribu entre sus cadáveres. Posteriormente, en Nueva York, procederán al visionado de las terribles imágenes con el objetivo de montarlas para un programa televisivo. Y quién les iba a decir a los jóvenes de la primera expedición que estos terribles caníbales iban a ser aún más salvajes que ellos…
Existe una historia que contoneará la película: por una parte, las imágenes son tan crudas y verosímiles que el público de la época llegó a creer realmente en su autenticidad, creyendo que la cinta encontrada era real; por otra parte, se podría ver como un recurso cinematográfico para otorgar a la cinta del máximo realismo, utilizando algo tan antiguo como la técnica del manuscrito encontrado, ya usado desde tiempos de El Quijote y ahora trasladada al cine. Recurso o no, el director estuvo a punto de ir a la cárcel por la duda y polémica que generó. Generalmente, hoy día, sigue suscitando dudas para muchos por su contenido algo snuff… y por lo menos en parte lo es (y eso es algo que detesto de la película). Existen salvajes torturas y matanzas de animales: ratas de campo, tortugas gigantes, monos, jabalíes…Y éstas sí son reales. La película comenzará diciendo: "For the sake of authenticity some sequences have been retained in the entirety” (lo que vendría a decir "Por su autenticidad, algunas secuencias han sido conservadas en la totalidad).
Lo más interesante de su argumento será, dejando a un lado las escenas pioneras del género gore, la reflexión final que nos deja: la metrópoli vs. la selva; lo racional vs. lo instintivo; lo “civilizado” vs. “lo salvaje”, dejando una línea muy fina y dudosa que los separa por nuestra condición de seres humanos que habitan uno y otro mundo…
En definitiva, una película no recomendable para sensibilidades extremas y sí para verla por lo menos una vez en la vida.
Para la inauguración de esta sección y aprovechando las fechas que nos atañen, decidí ponerme en contacto con algo “navideño”. Y es que hay algunos que en lugar de ver arbolitos decorados preferimos ver machetazos a raudales, que en lugar de escuchar melódicos villancicos, preferimos escuchar agónicos gritos de terror y que en lugar de repartir paz y amor preferimos repartir sombras e intranquilidad ante la oscuridad.
Y aunque a muchos no les guste pensarlo, las navidades son muchas veces más negras e hipócritas de lo que pensamos. Sí, en serio, es como cuando te sientas a cenar al lado de ese tío tuyo que tanto detestas y cuando te pide la cesta del pan lo único que te apetece es darle un rápido y limpio hachazo.
Este remake de 2006 dirigido por Glen Morgan y basado en la película Black Christmas realizada en el 1974 (que no he visto pero creo poder asegurar que es mejor que ésta), lejos de aplacar mis deseos más oscuros, me hizo replantearme ir a pedir el aguinaldo.
Y es que permítanme decirles, señores, que la película es un slasher en toda regla, dirigida a nuestros más dulces adolescentes y cayendo una y otra vez tópico sobre tópico. Con un reparto que no termina de creerse el guión, en el que podemos observar caras conocidas, ya que se suelen mover por el género como: Katie Cassidy (Pesadilla en Elm Street o Cuando llama un extraño), Mary Elizabeth Winstead (The Thing, Grind House: Death Proof, Destino final 3 o Abraham Lincoln: cazador de vampiros), Michelle Trachtenberg, (conocida por su papel en Buffy cazavampiros), Crystal Lowe (Destino final 3, Los chicos del maíz 7: revelación), Kristen Cloke (Destino final) y la menos asidua al género pero conocida por películas como Chicas malasLacey Chabert.
El director Glen Morgan nos sitúa en una residencia universitaria algo peculiar, ya que no está cerca del campus y narra la historia de los estudiantes que se alojan en antiguas y grandes casas que se han habilitado para ello. Una de ellas pertenece a un enfermo mental llamado Billy que mató a su familia la noche de navidad y del que no se sabe nada desde entonces. Muchos son los rumores de que está muerto, mientras que otros no tan alentadores dicen que está recluido en un centro psiquiátrico.
Como es navidad muchos de los universitarios dejan “la residencia peculiar” para disfrutar de estas fiestas en familia, excepto una hermandad femenina formada por un grupo de chicas que aunque no se pueden ver entre sí, prefieren quedarse juntas que irse con sus familias y que casualmente se alojan en la casa Billy.
Según va transcurriendo la noche descubrimos por qué prefieren quedarse con sus odiadas “hermanas” y es que puede que sus “adorables familias” sean aún más detestables en algunos casos. Intentando olvidar y poder disfrutar de la navidad, aunque sin mucho empeño en que la noche mejore, realizan la tradición un tanto macabra de abrir los regalos del amigo invisible... ya que Billy todos los años también tiene su regalo. Los pensamientos de las “hermanas” se dirigen a Billy y a su horrible infancia, sin saber que tal vez él está más cerca de lo que creen y llegará a casa por navidad…
Si prefieres ver un salpicón de sangre antes que el Sálvame, quizás te resulte entretenida. La parte en la que se narra la infancia de Billy crea expectativas de espuma (de las que suben y luego bajan) pero ver como Billy, con los moldes navideños, saca galletas humanas de la espalda de su madre no tiene desperdicio.
Qué mejor título para inaugurar esta sección de cines olvidados, discordantes y menos comerciales; que en algunos casos su propia temática roza a veces lo grotesco, escatológico o simplemente retrata la crudeza de ambientes marginales. En definitiva: cine “raro” que conviene recordar para animar a ver estas otras películas…
The human centipede (Holanda 2009), dirigida por Tom Six.
Inevitable es explorar el nombre del director, después de su visionado, con la carátula en la mano; al menos yo es lo que hice cuando aturdido intenté buscar apelativo a una incatalogable mente.
Según Six, esta extravagante temática, es la amalgama de la inspiración de los experimentos médicos nazis en la segunda guerra mundial, bromas con amigos acerca de castigos a violadores de niños y una indagación personal de los instintos más bajos de algunos “seres humanos”. La película transcurre en Alemania, con el escaso reparto de tres turistas (dos americanas, un japonés) y un médico encargado de unirlos en un experimento. También son escasos actores secundarios.
Los diálogos, también breves, y con la limitación comunicativa del japonés de la cabeza del ciempiés Akihiro Kitamura (Katsuro en el filme) y el alemán-inglés del doctor. El actor principal Dieter Laser (Dr. Heiter) obtuvo el merecido premio al mejor actor en el Fantastic Fest por su papel de doctor endiosado.
La película comienza con la mezcla de dos ingenuas turistas perdidas incapaces de ver el peligro, sin cobertura en el móvil, en una gran casa-trampa que parece ser la salvación. Del otro lado, un Doctor Heiter que ni siquiera se toma la molestia de parecer normal hasta que les hace efecto el Rohypnol (droga de los violadores) que les echa en el agua.
Existirán dos momentos cruciales en la trama: el primero será la explicación de sus propósitos para crear “trillizos siameses unidos por el sistema gástrico”; el segundo, la reflexión de la única parte del ciempiés que se comunica acerca de si aún es un ser humano. Lo hará en una posición indigna, con su ano unido a la boca de una desconocida.
En definitiva, esta película contiene todos los ingredientes para escapar durante noventa minutos de la realidad y poder dar un paseo por un séptimo arte distinto…
La serie Foofur siempre me ha inspirado ternura y creo que es lo que hace que esta serie me guste tanto.
Lo que más me encantaba de estas series es que crecías aprendiendo, aprendiendo que uno siempre debía hacer el bien y ayudar a los demás por encima de todo.Los perros siempre han estado en mi vida y ha sido porque estas series me hacían ver que una mascota es parte de la familia y la familia siempre se ayuda.
Foofur podía haber hecho lo que hubiera querido pero ayudó a otros a ser mejores.
Ficha técnica
Compañía de producción: Hanna-Barbera
País de origen: Estados Unidos
Año: 1986
Temporadas: 2 temporadas
Episodios: 46 episodios Duración: 30 minutos
Letra de la canción
Siempre sabe lo que debe hacer, él es Foofur Es el mejor perro que conocí, él es Foofur Más listo que los demás, él te ayuda en un traspiés, él es Foofur
Siempre sabe lo que a decir, él es Foofur Este perro sabe hacerse entender, él es Foofur Los demás que conocí, para nada es comparada, él es Foofur
Nadie puede acabar con él, aunque lo intenten otra vez Las cosas van la mar de bien, si en medio de ella canta nuestro perro Foofur. Él es Foofur, bis.
Sinopsis
La Srta. Escrow está empeñada en vender la mansión que tiene y va siempre acompañada de su insufrible chihuahua Pepe. Foofur que vive en la mansión que heredó de su amo al morir se lleva a vivir a todos sus amigos de la perrera local dándoles cobijo. La serie nos contará las vivencias del grupo de perros que hará lo posible por convivir y sobrevivir como puede a la Srta. Escrow y a dos perros ladrones llamados Mel y Harvey.
Personajes
Foofur: Es el perro protagonista, es un perro de caza de color azul. Es sabio y ayuda en todo lo posible a sus amigos. Es el líder, amable, bueno y decidido y gracias a él escapan muchas veces de las garras de los ladrones de perros. Siempre llama todos TROPA.
Rocki: Es la sobrina de Foofur. Lo que más le caracteriza es a la hora de inventar historias que hace meter miedo a los demás perros. Su tío ya la conoce e intenta por todos los medios ayudarla.
Hazel: Es una Cocker de color marrón y pelo rubia. Hace de madre de todos. Está casada con Fritz.
Fritz:-Carlos: Todos le llaman Fritz. Perro amarillo muy sofisticado con un gran bigote de color blanco. Habla en francés. Está casado con Hazel.
Louis: Buldog francés de color amarillo y manchitas negras. Es el perro más fuerte que hay y el que das más miedo pero siempre tiene su corazoncito.
Annabel: Es una Bobtail. Lo más característico de ella es que siempre lleva su flequillo muy largo y este hace que no vea bien por esa parece tan patosilla. Lleva el amor en secreto hacia Louis. Siempre lleva un lazo de color rojo.
Fencer: Es un gato negro un poco escuálido que se cree karateka. Lleva una cinta en la cabeza con la bandera de Japón y siempre está a la gresca con las hermanas ratas.
Sam, Chucky y Baby: Son 3 ratas de color negro, rosa y azul. Son hermanas y siempre están haciendo de las suyas e intentando molestar al grupo de perros y sobre todo a Fencer.
Srta. Escrow y Pepe: Es la mujer que quiere vender la mansión. Su pelo es pelirrojo y siempre lleva una pamela de color amarillo y su raro abrigo de visón azul. Siempre lleva a su enfadado chihuahua Pepe.
Mi nombre es Jose Andrés López y voy a empezar a escribir un poquito de esas series de ayer y hoy.
Series que nos marcaron y que nos hicieron ser mejor personas. No importa cómo fuéramos, no teníamos miedos, no teníamos problemas y los únicos peligros que teníamos era que nos pasaría al día siguiente en el colegio.
Yo nací en los 80 y dibujos animados y series de televisión como las que he visto me hacen mirar a mi
infancia con alegría porque fui muy feliz y creo, que mejor persona con la televisión que había entonces.
El Festival de Cine Italiano de Madrid de este año, no pudo arrancar de mejor forma, con una estupenda cinta de los hermanos Vittorio y Paolo Taviani. En ella nos presentan su particular versión de la obra de teatro ‘Julio César’ de Shakespeare.
En César debe morir trasladan la acción a la cárcel romana de Rebibbia donde presenciaremos la representación del drama del genio inglés en dos planos temporales distintos: la representación de la obra en el auditorio del penal, rodado en color, y los ensayos que realizan los presos encargados de realizar la función, rodado en blanco y negro.
La cinta rodada como un docudrama, rezuma frescura en todo momento gracias a un plantel de actores, en su mayoría presos reales, y una acertada realización por parte de los directores, que consiguen recrear en la penitenciaría el escenario adecuado donde exhibir un extenso abanico de pasiones humanas: poder, ambición, celos, amistad, traición, vanidad, engaño, manipulación,…
La película consigue mantenerte en un estado de tensión emocional elevado durante sus 76 minutos de metraje. Salvatore Striano (Bruto) muestra un talento interpretativo sublime, aunque sería injusto no nombrar a sus compañeros de reparto: Cossimo Rega (Cassio), Guiovanni Arcuri (Cesare), Antonnio Frasca (Marcantonio) y el resto de actores amateur que hacen que de este film una de las mejores propuestas cinematográficas de 2012.
Hay que destacar como integran los hermanos Taviani en el drama shakesperiano los distintos escenarios donde se desarrolla la acción: el patio de recreo, los pasillos, las celdas; la pasión y la obsesión de unos hombres encerrados entre muros que se verán atrapados en sus propios personajes. Habrá momentos en los que siendo la "escoria" de la sociedad se crean poderosos senadores y generales. Y asistiremos en un momento determinado al descenso de estos hombres a su humillante condición de parias. "Desde que conozco el arte esta celda me parece una prisión", dirá uno de ellos de vuelta a la cruda realidad.
Absolutamente genial la última propuesta de estos dos "jóvenes" hermanos de 81 y 84 años. Una puesta en escena sencilla que representa todo el esplendor y la decadencia de Roma, de la humanidad.
Nota: 9/10
Lo mejor: la actuación de Salvatore Striano, la adaptación del texto, la cárcel como representación simbólica del mundo en que vivimos en el presente y en el pasado.
El 11 de enero llega a España una gran película de la que queremos hablar hoy y que pudimos visionar en un pase especial en los cines Golem de Madrid durante el Festival 4+1 por cortesía de nuestros amigos de SensaCine. Amour nos muestra de forma magistral el terremoto emocional que se produce en las relaciones humanas cuando surgen problemas importantes. A través del deterioro físico que se produce tras el derrame cerebral de Anna (Emmanuelle Riva) contemplamos cómo se va derrumbando la vida de todos los que se encuentran a su alrededor.
Asistimos a la lucha diaria de su marido Georges (Jean Louis Trintignant) por facilitar la vida a la mujer que ama, intentando con una paciencia y un amor infinito que se muestra en pequeños detalles cotidianos, que ella siga luchando por sobrevivir. Observamos como su única hija, Eva (Isabelle Hupper) intenta torpemente recuperar la relación con sus padres, rota por una vida profesional como concertista que prima sobre todo lo demás.
Michael Haneke consigue con esta película dejarte literalmente tocado en el plano emocional. Los títulos de crédito de inicio aparecen en completo silencio, la primera escena se desarrolla con un plano general de un grupo de espectadores de un concierto de piano en un teatro (el espectador observado). Aquí ya podemos sentir el amor sencillo y cotidiano que esta pareja de profesores de música jubilados se profesan, así como en las siguientes situaciones de su vida que acontecerán hasta que ella caiga enferma. Todo está rodado de una aparente sencillez y un ritmo pausado para que el observador sea consciente de una idea de amor basado en el apoyo mutuo, en las muestras cariño sin estridencias, en compartir unas pasiones intelectuales, en ser conscientes de que en realidad sólo se tienen el uno al otro, de que no hay nada más importante que el otro ese denso microcosmos que tan bien está fotografiado. Por eso cuando aparece la hija a visitar a su madre enferma, el sentimiento no puede ser más contradictorio. Habla con su madre pero no hay comunicación, no es capaz siquiera de abrazar o acariciar su mano, no hay amor sincero.
El director sitúa la cámara de manera magistral, con una fotografía excelente (Darius Khondji) para que la casa donde se desarrolla la acción sea un personaje más. Los actores, tanto principales como secundarios, se sitúan a un nivel excepcional, con especial atención a Emmanuelle Riva y Jean Louis Trintignant. El guión es también sobresaliente con momentos memorables como cuando el padre se enfrenta con la hija harto ya de que le diga lo que tiene que hacer, o de su enfrentamiento con una de las enfermeras o de la historia que Georges cuenta a Anna cuando ella está completamente rendida ante la vida…Muchos momentos para recordar que se quedan grabados en la memoria.
Lo que le hace que Amour sea un film excepcional es la sensación y el poso que te deja una vez ha acabado. Cuando aparecen los títulos de crédito finales en silencio de nuevo, te quedas en la butaca tan absolutamente impactado por lo que has contemplado, por las reflexiones que te han invitado a hacer durante toda la proyección, que te quedas… mudo.
Nota: 9,5/10
Lo mejor: la magistral interpretación de la pareja protagonista y la utilización que hace Haneke de la casa como un personaje más.
Lo peor: es una película que en algunos momentos te provoca un desasosiego emocional enorme.
Quiero Cine vuelve a la carga cubriendo el Festival 4+1 que se celebrará en Madrid desde mañana día 21 de noviembre hasta el domingo 25, ¿quieres saber que traerá a los cines Golem de Madrid? Cineastas consolidados como AbelFerrara, Frederick Wiseman y una selección de los directores emergentes más relevantes del cine independiente internacional –Marie Losier, Rodrigo Plá, Mohammad Rasoulof o Evan Glodell, entre otros– competirán por el Premio del Público 4+1 en la tercera edición del "Festival de Festivales".
El Festival 4+1 FUNDACIÓN MAPFRE se celebrará, por tercer año consecutivo, simultáneamente en Bogotá, Buenos Aires, Ciudad de México, Madrid y Río de Janeiro del 21 al 25 de noviembre de 2012. El público de los cinco territorios decidirá con su voto cuál será la película ganadora del Premio del Público 4+1, dotado con 20.000 euros y el trofeo creado por el artista Alfredo García Revuelta.
Desde este humilde blog, le damos las gracias al portal SensaCine por brindarnos la oportunidad de acudir al festival.
Inmaduros es una película fresca y simpática que busca (y encuentra) la complicidad con el espectador. Trata de un grupo de amigos que ya no quedan pero cuyo futuro, sin embargo, vuelve unirse. Después de más de veinte años sin verse y con su vida aparentemente hecha, les llega una
carta advirtiendo que su examen de selectividad ha sido anulado y deben
repetirlo. Con esa excusa argumental, no queda otro remedio: la promoción del 72
tiene que realizar de nuevo los exámenes: latín, filosofía, matemáticas...
Un
argumento original y sencillo se convierte en un repaso enternecedor a la vida
de cada uno de los personajes y su manera
de vivir y afrontar lo problemas del día a día.
Destaca
especialmente uno de los protagonistas que con cuarenta años todavía vive con
sus padres y que pese a que parezca que no puede aportar demasiado al grupo por
ser el que menos ha cambiado en realidad es el resorte del grupo pues, en
parte, gracias a él está unido, sin embargo cada vez se van incorporando
personajes a la trama pasando a ser todos imprescindibles, una madre soltera que
va siempre corriendo de allá para acá, un locutor de radio que finge estar
casado para tener más libertad con su amante, una chef adicta al sexo y en
terapia para superarlo, un psiquiatra que es incapaz de asumir su futura
paternidad.
El elenco se compagina de maravilla y están bien
dirigido por el también guionista Paolo Genovese, puesto que cada uno de los intérpretes transmite sensaciones de juventud y cada uno a su manera aporta cosas que resultan familiares al
espectador.
Destacan las relaciones entre algunos de los personajes: por ejemplo de la madre con la hija, los puntos de vista diferentes y la manera
de ver las cosas, hay varios alter egos que congenian bastante bien y consiguen
completase entre sí. Son personajes entrañables que enamoran a
largo de la película con dosis de humor hoy en día tan necesario.
Hay momentos realmente encantadores ya que
cada uno aporta lo mejor de sí y pasan a
ser un equipo no sólo para estudiar los exámenes ya que gracias a que se
reencuentran e interactúan entre sí, mejoran
y poco a poco van superando y afrontando sus problemas y preocupaciones.
Nota: 10/10
Lo mejor: ver a los amigos unidos como si no
hubiera pasado el tiempo y el sentimiento tan positivo que trasmite.
Lo peor: es tan bonita y graciosa que puede
ser tachada de comedia amable pero realmente merece la pena.
La mejor escena: cuando estudian juntos, cuando
la madre reinventa la sopa de sobre y triunfa en el trabajo, cuando roban los
donuts y salen corriendo como si todavía fueran adolescentes...
Por cortesía del portal especializado en el séptimo arte, SensaCine, Quiero Cine estuvo presente en el preestreno en España de la última obra de Ridley Scott en los cines Kinépolis. Prometheus tiene un potentísimo arranque en el que se prima la grandiosidad de las localizaciones y una estética al más puro estilo de la ciencia-ficción clásica, que hace que el espectador abra boca pensando en el mejor Ridley Scott posible al servicio de una de las sagas de terror más imprescindibles de la historia del cine: Alien. Esa es desde luego la expectativa que genera el tráiler de la película, calcado al de Alien: el octavo pasajero en cuanto a estructura, montaje y música. Quizás por eso es tan bueno y genera tantas esperanzas en los seguidores de Alien y del propio director.
Sin embargo, a medida que se desarrolla la película, comprobamos con estupefacción cómo se va desinflando poco a poco hasta derivar en un guión con imperdonables fallos que el espectador apenas puede "tragarse". No se trata, como han anunciado algunos, de que la trama sea compleja o excesivamente enrevesada, sino que es una cuestión de coherencia interna, de una falta total de cohesión entre los personajes y de una serie de fallos que te sacan totalmente de la historia. Si estás pensando que al personaje principal se le mueve el pelo dentro de la escafandra, es que definitivamente la película se ha ido de madre.
Prometheus da comienzo cuando un titán (un ser gigantesco) se autodestruye dando lugar a nuevas formas de vida en un lugar remoto. Por otra parte, dos investigadores descubren un yacimiento arqueológico en el que se reproduce con exactitud un mapa astral que está presente en las principales civilizaciones antiguas. Contando con el presupuesto de un excéntrico millonario obsesionado con luchar contra la muerte, se embarcarán en la nave que les llevará a encontrarse con los denominados "ingenieros", a quienes se les atribuye la creación la vida en la Tierra y que no son otros que los titanes que aparecen en las pinturas rupestres de la antigüedad.
En cuanto a la trama, el principal problema es que se intentan contar demasiadas cosas, lo que lleva a una carencia en el desarrollo de los personajes que no los hace creíbles puesto que ni se entienden sus motivaciones personales para actuar como lo hacen ni terminan de cuajar las relaciones de amor/compañerismo que se supone que hay entre ellos. Es una verdadera lástima que un esfuerzo de producción y puesta en escena semejante no esté al servicio de una trama que esté a la altura. Tanto el diseño de las naves espaciales, como la monumentalidad de las estructuras encontradas o el diseño de los titanes y sus trajes espaciales tiene el eco de Giger sin alcanzar su genialidad, pero no cuajan en conexión con la trama y ciertos efectos especiales son, sin ambages, cutres. ¿Cómo es posible que tal despliegue para mostrar un universo alienígena se desplome porque el maquillaje para envejecer a un irreconocible Guy Pierce sea infumable? ¿Cómo perdonar que la dirección de actores deje tan desaprovechados a talentazos como Charlize Theron y Michael Fassbender?
Nota: 2,5/10
Lo peor: que los aliens son lo de menos. Solo al final descubrimos su origen: es un buen golpe de efecto, pero un tanto tardío.
Lo mejor: sin lugar a dudas, las localizaciones y el trabajo de producción y dirección artística. Coinciden elegancia y sobriedad, aunque, por desgracia, la nave no consigue en ningún momento provocar la angustia, la claustrofobia ni la sensación de temor o inquietud en el espectador que provocaba la Nostromo de Alien: el octavo pasajero con un presupuesto inmensamente menor.
Las comparaciones son odiosas: aunque con un elenco estupendo, Noomy Rapace languidece frente a la potencia de la Ripley encarnada por Sigourney Weaver y Fassbender hace lo que puede, que no es poco, como androide, aunque aún nos estamos preguntando a qué obecede cuando decide sabotear al equipo. El regusto de Hal se deja ver en la luz roja de los cachorros que conducen a David al panel de control de la nave y en la personalidad independiente y destructiva del androide.
Un punto a su favor: se supone que Ridley Scott pretende revitalizar la saga Alien iniciando con Prometheus una nueva trilogía. Así se desprende del final abierto de la película. Esperemos que siendo así y contando con nuevas tramas argumentales, sea capaz de enderezar este trabajo, que bajo cualquier punto de vista ha sido un verdadero fiasco, sin lugar a dudas, el mayor patinazo de la carrera cinematográfica del director.
Paco León debuta tras la cámara en el falso documental titulado Carmina o revienta, una película que rezuma frescura y que es una de esas rarezas de nuestro cine que la hacen merecedora de nuestra atención.
El director se decanta con acierto por recrear ambientes y personajes a los que conoce bien basándose en su experiencia vital y dando pinceladas de humor que se entretejen con la trama en la que se respira una forma de ser y de sentir, y, en suma, una cosmovisión muy particular, en la que la familia es uno de los ejes centrales y en la que el peso específico de la figura de la madre es fundamental.
Hablemos en primer lugar de la película para centrarnos después en la polémica suscitada por su estreno multiplataforma. Carmina Barrios, progenitora real de Paco León, es en quien recae el mayor peso del elenco, junto con su hija la actriz María León, ganadora del Goya a la mejor actriz revelación y la Concha de Plata a la mejor actriz por su papel en La voz dormida.
Carmina es una mujer luchadora, curtida y autosuficiente que regenta un bar de un barrio de Sevilla en el que se produce un robo. Las apreturas económicas que se derivan de este hecho se agravan cuando diferentes sucesos van enturbiando aún más su día a día: un cobrador del frac acude a reclamarle una deuda, le roban su vehículo, ingiere por error un fármaco que le daña el estómago... Pero nada es suficiente para doblegar a Carmina, que tiene un plan para salir airosa de cualquier contratiempo.
Salvando las distancias, Paco León consigue, a través de una puesta en escena "cuidadosamente descuidada", poner en pie un mundo tremendamente familiar, recordando en algunos momentos a un Almodóvar prosaico, pero muy efectivo.
¿Y qué ha sucedido con su estreno? Pues que, no en vano, el director parece haberse obcecado con algo que a los espectadores nos parece obvio pero que la industria pretende ignorar: que el éxito de una película depende en gran parte de que sea accesible en diversos formatos a la vez. Parece ser que ahora, a la luz de la inminente subida del IVA para el cine, más que nunca. ¿Será el final de las grandes salas? Esperemos y deseemos que no, pero desde luego, si queremos que nuestro cine llegue a más hogares y que más personas puedan engancharse a él, será preciso seguir el ejemplo que nos ha brindado este director debutante, del que esperamos tener nuevas noticias pronto, sea a un lado u otro de la cámara.
Nota: 7,5/10
Lo mejor: el retrato social, realista y sin tapujos. Y la mirada exenta de prejuicios, que no pretende juzgar sino simplemente mostrar con sentido del humor.
La escena más surrealista: el hospital es testigo de uno de los mejores momentos de la película, la carcajada está asegurada.
La conclusión: que el amor de una madre está por encima de todo, es la roca en la que rompen todas las olas, pero que se mantiene siempre en pie a pesar de todo.
Justificar el visionado de El secreto del libro de Kells solo por su belleza, no le hace justicia a esta pieza fílmica exquisita que transmite al espectador un amor por los libros y por la imaginación desbordantes.
El Libro de Kells, también conocido como Gran Evangeliario de San Columba, es un manuscrito ilustrado con motivos ornamentales celtas, realizado por monjes iluminadores hacia el año 800 en Kells, un pueblo de Irlanda.
Debido a su gran belleza y a la excelente técnica de su acabado, este manuscrito está considerado por muchos especialistas como uno de los más importantes vestigios del arte religioso medieval. En esta coproducción de animación franco-belga-irlandesa, nos sumergiremos en los misterios que se esconden entre las páginas de esta obra.
Aunque se desconocen los detalles del origen del libro: el propio monasterio de Kells, el de Iona u otro similar, la hipótesis más aceptada es que su elaboración comenzó en Iona hasta que dejó de ser seguro y fue transportado a Kells. Ésta es también la hipótesis que maneja la película, que da comienzo cuando un joven monje llamado Brenan, sobrino del abad de Kells (Cellach), conoce al hermano Aidan, que viene de Iona custodiando el libro para terminarlo. Él estimulará la imaginación de Brenan, que pronto deseará conocer lo que hay más allá de los muros de la abadía e internarse en el bosque. Y es que el propio libro se inspira en la naturaleza, adoptando la tipografía una apariencia zoomorfa en ocasiones y deleitándose siempre en los colores, algunos realmente poco comunes y caros, importados de otros lugares. Su grado de perfección es tal que algunos de los acabados solo pueden apreciarse con lupa.
En cuanto a la película, el conflicto de la trama viene marcado por el abad de Kells, obsesionado por la seguridad, que dedica todo su esfuerzo a levantar un muro que separe a la abadía de la amenaza de los vikingos, personificados casi de forma demoníaca en Crom Cruach, que siembra el terror en la zona con los ataques de sus hombres.
Sin embargo, Cellach no se da cuenta de que a la vez se está aislando del mundo y de las maravillas del bosque, por tanto también de la fuente de inspiración de los iluminadores de manuscritos, y a la postre, del conocimiento que se enmarca dentro del libro como fuente transmisora de sabiduría.
Nota: 9/10
La escena más hermosa: siempre hablamos de las grandes elipsis del cine: la de 2001: Una odisea del espacio, la de La vida es bella... En ellas se condensa una gran cantidad de tiempo. En El secreto del libro de Kells hay dos grandes elipsis dignas de mención: en la batalla mantenida contra los vikingos, y en el viaje que emprenden Aidan y Brenan y que, siguiendo el estilo de las iluminaciones medievales, se enmarca en una estructura ordenada como es el arco, en tres ventanas simétricas que se abren a una naturaleza hermosísima.
El acierto: como si el mensaje y la obra real que sirven de inspiración no fueran suficientes, el primer film de Tomm Moore y Nora Twomey recoge la esencia del folklore irlandés que se refleja en la banda sonora, los motivos geométricos, las simetrías, la paleta de colores... Y también en los personajes, como sucede con el espíritu del bosque, encarnado en la traviesa Aisling, polimorfa y acreedora de poderes mágicos.
Atención:al diseño de los personajes, aparentemente sencillo, basado en formas geométricas básicas pero que sin embargo les confiere una personalidad muy marcada. Es un claro ejercicio de inteligente animación en dos dimensiones que da lugar a una obra que fue nominada a los Oscar en 2010, con pasajes fílmicos muy diferentes entre sí, pero que forman un todo armónico y muy recomendable para niños y grandes que amen los libros y la naturaleza y que deseen adentrarse en un mundo nuevo.
Avalada por el premio a la mejor película y al mejor actor (Michael Parks) en la última edición del Festival de Cine de Sitges, Red State recoge en su argumento una crítica brutal al conservadurismo estadounidense así como al fanatismo pseudo-religioso imperante en algunas regiones de la "América profunda".
La clave: hacerlo en forma de esperpento.
Es imposible tomársela en serio, pero no por ello deja de resultar inquietante en el fondo, sobre todo si de deja a un lado el artificio y se piensa en el fundamentalismo que denuncia.
Aunque el arranque inicial de la película pueda parecer similar a otras películas de Kevin Smith como Clerks o Dogma, en esta ocasión la trama le lleva a introducirse en un ambiente saturado de violencia y crueldad extremas aunque latan en el fondo toques de un humor negro que consiguen aligerar esa carga.
La violencia es tal que recuerda al propio Tarantino, declarado fan de la película, pero ¿cómo se desencadena el horror? El hilo conductor no es otro que la sexualidad.
Tres jóvenes en plena ebullición hormonal planean un encuentro sexual con una mujer que pretende hacer una cama redonda con ellos. Sin embargo, pronto descubrirán que están muy lejos de cumplir su fantasía: la dama en cuestión pertenece a un grupo de fanáticos que les raptará para castigarlos por su perversión y su falta de moral cristiana. En esa cruzada contra el vicio intervendrá la policía con la que finalmente se producirá una batalla campal.
Lo mejor de la película:ciertos planos en los que los actores llevan la cámara atada al cuerpo son especialmente elocuentes en cuanto al agobio que sienten nuestros malhadados protagonistas. Aunque el broche final de las sirenas y el significado que los integrantes de la secta le dan es realmente hilarante.
Lo peor de la película:como decíamos al principio, es realmente imposible tomársela en serio, sin embargo, Kevin Smith no solo filma sino que también firma el guión y dice haberse basado en la personalidad de Fred Phelps y llegados a este punto es difícil desligar la realidad de la ficción. Como en la película, el predicador es un afamado homófobo con una congregación de unos cien feligreses con los que en un 90% tiene lazos de sangre. De modo que sin duda, lo peor de la película es que parezca tan irreal cuando tiene un trasfondo tan realista.
Un dato interesante: decir que Melissa Leo y Michael Parks han nacido para hacer los papeles que desempeñan en Red State, puede parecer exagerado, pero es que verdaderamente tanto su trabajo como su caracterización son brillantes. Y John Goodman no se queda atrás.
Te gustará si... te gusta el cine visceral, políticamente incorrecto aunque decididamente crítico, en el que la violencia se estiliza y en el que no queda títere con cabeza.
Lo nuevo de Wes Anderson llega a nuestras pantallas este viernes y Quiero Cine, por cortesía del portal SensaCine, ha podido disfrutar de la película en el preestreno organizado en los cines Princesa.
Con guión del propio Wes Anderson en colaboración con Roman Coppola, Moonrise Kingdom retrata un microcosmos extremadamente peculiar en el que una serie de personajes, a cada cual más excéntrico, convive en una isla de la costa de Nueva Inglaterra.
Apenas unos días antes de que se desate una inmensa tormenta, dos jóvenes preadolescentes deciden fugarse juntos. Toda la comunidad quedará sorprendida ante semejante resolución y emprenderá una búsqueda que finalizará con la gran tormenta.
El primer acierto de la película es sin duda que se desarrolle en los años 60 puesto que todo el aire retro de la puesta en escena y de la mimada fotografía obran en favor de la mirada naïf que soslaya el relato.
En efecto, la propia isla, por sus reducidas dimensiones y sus abundantes recovecos, y los pequeños grupos humanos que la pueblan (los scouts, la familia, el policía solitario...) parecen formar parte de una casa de muñecas y el propio relato podría ser la narración de un niño aunque contando con un magnífico narrador que de cuando en cuando se cuela para adelantar acontecimientos y de paso aportar un toque de humor.
Los precisos encuadres, los caricaturizantes primeros planos y los detalles que emanan de la caracterización de los personajes (lo que leen, lo que escuchan...) son los ingredientes que aderezan esta película altamente recomendable por su originalidad.
Anderson una vez más pone el acento en los personajes un tanto marginales que se encuentran en medio de sus respectivas soledades aceptando sus rarezas y emprendiendo un nuevo camino. En este sentido, Jared Gilman y Kara Hayward brillan con luz propia en medio de un elenco plagado de estrellas en el que cada personaje cumple su función (desde Edward Norton hasta Bruce Willis, pasando por Tilda Swinton y la pareja que protagoniza la conversación de pareja más sincera que se haya podido ver nunca en el cine: Bill Murray y Frances McDormand. Hayward es sin duda una magnífica actriz a pesar de su juventud que consigue trasladar al espectador tanto la inocencia como la sensualidad y la necesidad de aventura que laten bajo el pecho de cualquier niña. Atención a este descubrimiento, porque muy probablemente veremos a esta joven a menudo a partir de ahora.
Nota: 9,5/10
Lo mejor de la película: la música, los abundantes travelling horizontales y esa "casa de muñecas" inicial que nos permite conocer a los personajes con un vistazo recordando esas viñetas de 13 del Rue Percebe que tanto nos divertían de niños.
La reflexión: todos hemos pensado escapar alguna vez, en este caso, Suzy y Sam lo consiguen, llegando incluso aponerle un nombre a su pequeño reino. Eso es quizás lo más hermoso de este film preciosista y barroco, cargado de detalles y salpicado de notas de humor.
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